POESÍA VISUAL: UNA FORMA DE REEDUCAR LA MIRADA

POESÍA VISUAL: UNA FORMA DE REEDUCAR LA MIRADA

La poesía visual es una técnica artística experimental en la que la imagen predomina sobre el resto de los componentes. Esta forma de poesía no verbal, constituye un género propio, y sus creadores se cruzan la frontera entre los géneros artísticos dando lugar a diversas formas de poética: poesía visual (concretismo, letrismo, semiótica), poesía objetual, poesía fonética, poesía sonora o poema acción.

Se trata de un género híbrido que transita los bordes entre la escritura y la gráfica, y juega con las proposiciones básicas leer-ver. Al utilizar elementos lingüísticos e icónicos, el texto visual deviene en imagen y la imagen en texto. Deriva de la imagen textualizada, quiebra el orden lineal del discurso y con ese gesto cuestiona la cosmovisión moderna occidental para la cual, la concepción de una escritura de modelo visual es algo del todo ajeno. La poética de la imagen desafía las reglas de escritura establecidas hackeando nuestra forma habitual de comprender lo que leemos y observamos.

Para entender la poesía visual han de tenerse en cuenta elementos como el uso de la tipografía, el uso del color o su ausencia, la disposición del espacio o la inclusión del diseño gráfico. En general, lo verbal y lo icónico convergen en una forma de arte de síntesis, en una forma de poesía iconoclasta alejada de lo convencional que estaría representado por la poesía verbal.

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DECOLLAGE, EL DESGARRO DEL ARTE Y EL TIEMPO

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El decollage es una técnica artística que consiste en el proceso opuesto al collage. En lugar de agregar elementos a la obra, se parte de un objeto artístico del cual se eliminan algunas las partes.

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El decollage es una técnica artística que consiste en el proceso opuesto al collage. En lugar de agregar elementos a la obra, se parte de un objeto artístico del cual se eliminan algunas de las partes. La base material a partir de la cual se efectúa el decollage es generalmente carteles de papel en las paredes o  vallas publicitarias que son transferidos a un soporte, y posteriormente sometidos a una acción de desgarro o manipulación.

Se trata de eliminar en lugar de agregar, desunir en lugar de agregar, significa actuar por sustracción, eliminando lo que se considera superfluo de una imagen ya existente reteniendo solo unos pocos fragmentos. De esta forma los fragmentos residuales crean una nueva imagen con un sentido diferente, provocativamente distante del original, para subrayar el poder de la manipulación realizada por el artista sobre el material. Así las paredes llenas de historia se transforman con las huellas del tiempo manipulado por el artista y nos ofrecen un material aún vivo, pulsante y evocador.

El decollage ha sido practicado desde 1950 por artistas de vanguardia que proponen nuevas formas de expresión. Entre los primeros experimentadores de esta técnica artística se encuentran Mimmo Rotella, Wolf Vostell, François Dufrêne, Raymond Hains y Jacques Villeglé.

Uno de los más destacados artistas en utilizar el decollage es el italiano Mimmo Rotella (1918-2006). Rotella se formo en la academia de Bellas Artes de Nápoles. En su búsqueda de expresión artística experimentó con composiciones de carácter neoplasticista o performances de poesía fonética hasta elaborar sus primeros décollages en 1951. Desde 1961 aparece en los eventos del grupo Nouveaux Réalistes y en 1965 se estableció en París, en donde aproximadamente durante una década experimentó con los procesos de transcripción mecánica de la imagen, contribuyendo a la definición de Mec-art. En 1980 Rotella regreso a Italia y volvió a la pintura, proponiendo series de grandes acrílicos con referencias cinematográficas y reelaboraciones de sus decollages.

Decollage de Mimmo Rotella

Decollage de Mimmo Rotella

“En la calle me impactaron algunas paredes cubiertas con adornos rotos -dijo Mimmo Rotella- literalmente me fascinaron, también porque pensé que la pintura estaba terminada y que algo nuevo, vivo y actual tenía que ser descubierto…”.

 

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STORYBOARDS, EL ESQUELETO DE LA OBRA AUDIOVISUAL

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El storyboard o guion gráfico es, literalmente, la versión dibujada de las escenas que luego compondrá una obra audiovisual como de una película, un spot publicitario o un vídeo de YouTube. Si el guion cuenta con palabras, el guion gráfico nos muestra la historia narrada con imágenes dibujadas en papel.

Para hablar de storyboarding debemos remontarnos a los años 30, ya que fue por aquella época cuando los estudios Walt Disney desarrollo esta técnica o sistema básico de organización y planificación de pensamientos visuales.

En películas de animación, este sistema funciona realmente bien, ya que permite plasmar la secuencia incluso con muchos detalles de la escena en diferentes bloques visuales.

El guion gráfico es una herramienta muy útil para visualizar y hacer explícito a todo el equipo involucrado en el proyecto qué historia experimentará el personaje. Está especialmente indicado para dejar en claro el contexto, la atmósfera y el desarrollo de la historia.

¿COMO SE HACE?

Cuando se construye el guion gráfico, se obtiene una secuencia de dibujos, fotomontajes, collages o cualquier cosa útil para representar las acciones que realiza el personaje en ese pasaje clave y el contexto en el que se encuentra. Las diferentes imágenes irán acompañadas de subtítulos explicativos.

Es por eso que resulta como una ruta de dirección real, en la que los movimientos de la cámara ya se conocen, cuya dirección a menudo se indica a través de flechas o símbolos dibujados.

Hoy en día existen muchos tipos de cuadernos con diferentes plantillas y esquemas que facilitan la creación de storyboards.

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BAÑOS Y URINARIOS, TEMPLOS DEL ARTE CONCEPTUAL

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En 2004, un sondeo entre 500 medio millar de expertos, críticos y artistas, declararon “La fuente” del francés Marcel Duchamp como la obra de arte más significativa del siglo XX. Duchamp expuso su obra en Nueva York en 1917. Así se inició una auténtica revolución en el mundo de arte al demostrar con su originalidad que cualquier objeto podía considerarse una obra de arte con tal de que el artista la pusiera en el contexto adecuado —una galería o un museo— y la declarara como tal.

Desde entonces los baños y urinarios se han hecho un hueco en el terreno artístico. Algunos de ellos se han convertido en curiosos templos de la expresión artística. Pero este arte escatológico no siempre es del gusto de todo el mundo. Recientemente dos urinarios, con forma de boca de mujer, en un restaurante McDonalds en Heerlen, Holanda fueron retirados por la protesta de un turista.

Pintores, fotógrafos, escritores, poeta o músicos son tipos de artistas que se han inspirado en los retretes para crear sus obras. Algunos incluso se han hecho famosos retratos en la intimidad de una bañera como Bono (cantante de U2), David Bowie, Duke Ellington, Eminem, John Lennon y Yoko Ono, Morrisey o Sting.

Otros han creado piezas de arte escatológico como el inodoro de oro de 18 kilates de Maurizio Cattelan y otros las han realizado arte con su propia orina como Andrés Serrano o con sus propios excrementos como el artista Piero Manzoni.

¿Quién no ha visto alguna vez grafitis o pintadas en las paredes de un baño público? El retrete siempre será ese lugar que producirá movimientos viscerales y emocionales dentro de nosotros. Toda una fuente de inspiración.

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PHILIPPE DRUILLET, CIENCIA FICCIÓN BARROCA

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Siempre he considerado a Philippe Druillet como uno de los dibujantes más fascinantes de todos los tiempos, su obra impacta y fascina desde la primera mirada. Sin embargo, se ha hablado muy poco sobre él.

Nacido en Toulouse el 28 de junio de 1944, Druillet comenzó su carrera artística como fotógrafo (en 1963), continuando como guionista de cine y colaborando en revistas de cine fantástico como Midi-Minuit Fantastique y Famous Monsters of Film Land. En 1966 Druillet hizo su debut con el cómic “Lone Sloane, le Mystére des Abámes”, en el cual se inspiró en sus escritores favoritos de ciencia ficción A. E. van Vogt y H. P. Lovecraft.

Las arquitecturas que crea Druillet en sus ilustraciones son atrevidas y monumentales, impregnadas con colores psicodélicos que dejan intuir una dilatación infinita del espacio, lo que le valió el apodo de “arquitecto espacial”. Su obra es un encuentro entre el pasado y el futuro remoto buscando un constante equilibrio entre el sueño y la pesadilla, entre el deseo de conocimiento y el encanto del misterio, entre la obsesión con el orden geométrico y la entropía del caos.

Fascinado por “Elric le Nécromancien”, una novela de Michael Moorcock, Druillet realizó una adaptación audiovisual de la obra con Michel Demuth, que se mostró en el Museo de Artes Decorativas de París en 1968. Junto con Bernard Farkas, Jean-Pierre Dionnet y Moebius, fundó la editorial Les Humano-des Associés y el periódico Métal Hurlant en 1975. A finales de la década de 1970, Druillet comenzó a expandir sus actividades y su enfoque se convirtió en multimedia. Entre 1978 y 1983, Druillet colaboró en la ‘Wagner Space Opera’ de Rolf Liebermann en la Opera de París. Ha diseñado diversas carátulas de discos como las de los álbumes East West y DWW del músico electrónico Richard Pinhas.

Ha creado escultura en bronce y ha trabajado en animación, produciendo la película ‘Le Clone’ en 1982. Druillet fundó Space Art Création en 1984 e hizo sus primeras esculturas de vidrio. También participó en la renovación y la arquitectura de la estación de metro Parisino de Porte de la Villette. Druillet sigue siendo un artista innovador y visionario que experimenta constantemente con el cine, la fotografía y la pintura.  

En español, su obra comenzó a ser editada por las revistas Star, Totem, Metal Hurlant y Cimoc.

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EL CONOCIMIENTO ES LIBRE

Han pasado 800 años desde un evento catastrófico llamado “Gran Miedo”. Lone Sloane, un rebelde y un viajero espacial problemático, es capturado por una entidad llamada “El que busca”, después de que su nave espacial es destruida. La entidad lo transporta a diferentes dimensiones, donde debe luchar por su vida, ya que se encuentra atrapado en una lucha intergaláctica entre piratas espaciales, robots gigantes, dioses oscuros y entidades de otras dimensiones.

Druillet nos ofrece todo un despliegue de imaginación con unas impactantes e hipnóticas ilustraciones.  

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EL ARTE DE ESCAPAR DE UNA SECTA

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Solemos pensar que una secta es una organización o grupo religioso que se aparta de las doctrinas tradicionales u oficiales y adquiere un carácter que se considera alienante o destructivo para sus seguidores. Y es bien sabido que toda secta comienza con un líder que la fundamenta con determinadas ideologías. Entendemos este líder como una persona carismática y seductora que dirige o conduce al grupo. Son muchas las estrategias que emplean dichos líderes para “lavar el cerebro” de sus seguidores como la manipulación del pensamiento mediante el empleo con la alteración del lenguaje, el trabajo comunitario, el esfuerzo físico, el cambio alimentario o la orientación moral.

Lo cierto es que estas estrategias de manipulación de la gente no son algo exclusivo de las sectas religiosas, sino que es muy habitual en todo tipo de grupos sociales, partidos políticos u otros colectivos de muy diversa índole. Entrar en un colectivo sectario genera en la persona sentimientos de pertenencia. Los líderes lo aprovechan para eliminar su sentimiento de pertenencia sobre otros colectivos e imponen la obligación de aceptar su autoridad como si fuera la de un dios prohibiendo toda duda al respecto denigrando toda pauta de vida anterior que se oponga a su nueva condición.  El líder ejercerá un control constante del tiempo y de la información que reciben y de las actividades que desarrollan quitando la privacidad y generando sentimientos de culpa y miedo. Si a esto le añadimos la repetición de que el líder les va a dar salud, prosperidad, poder y salvación el lavado de cerebro está servido.

Escapar de una secta no es algo fácil. Lo primero que ha de ocurrir es que la persona que esté en un grupo se de cuenta en donde está y que el mundo que está fuera del grupo tiene mucho que ofrecer. Lo siguiente será soltar todo tipo de creencias y empezar a pensar por sí misma. Y tercero que pida ayuda o apoyo para dar ese salto a la libertad.

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Portada del libro LA VISIÓN DEL DISCERNIMIENTO de HUGO IBARS

Este libro es una extraordinaria guía acerca de las sectas, grupos que exigen de sus miembros una convicción, devoción y dedicación que pueden perjudicar, hasta extremos realmente peligrosos, tanto a los adeptos como a sus allegados y familiares. Aunque estamos ante un fenómeno globalizado, existen diferentes tipos de agrupaciones o movimientos sectarios, y diversos perfiles de seguidores.

Esta obra es un análisis afinado e inteligente tan serio como divertido del fenómeno de la Nueva Era o New Age.
El libro abre un espacio al pensamiento crítico y al discernimiento sobre las psicoterapias y vías de desarrollo personal y espiritual actuales.

Con afilada soltura Hugo Ibars ofrece un perfecto antídoto a todo el batiburrillo existente en la New Age advirtiendonos sagazmente de que no es oro todo lo que reluce. Este libro será de gran ayuda tanto a personas que siguen cualquier vía espiritual, ya se trate de principiantes o de quienes llevan un largo trecho recorrido así como para quien sospeche sobre una secta.

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